Ciao, sono Max!
Avevo cinque anni, ero al supermercato con mia madre, e sono rimasto fermo davanti a uno scaffale di formaggini. Dentro la confezione, come gadget, c’era una chitarra di plastica arancione. Non mi sono mosso finché la chitarra (formaggini compresi…) non è finita nel carrello della spesa.
Quattro corde di metallo durissime su un corpo di plastica: più simile a un ukulele che a una chitarra vera. Ma quella specie di chitarra è bastata per non smettere più.
Ciao, sono Max!
Avevo cinque anni, ero al supermercato con mia madre, e sono rimasto fermo davanti a uno scaffale di formaggini. Dentro la confezione, come gadget, c’era una chitarra di plastica arancione. Non mi sono mosso finché la chitarra (formaggini compresi…) non è finita nel carrello della spesa.
Quattro corde di metallo durissime su un corpo di plastica: più simile a un ukulele che a una chitarra vera. Ma quella specie di chitarra è bastata per non smettere più.
Dal metal al jazz rock
Ho cominciato con le band scolastiche, hard rock e metal. A 17 anni ho fatto il primo passo serio: sono entrato nei Fancyfluid, band neo-progressive con cui ho suonato su parecchi palchi e registrato l’album d’esordio, Weak Waving.
Con il progressive rock ho scoperto colori e sfumature musicali che non conoscevo. Al di fuori dell’hard rock e del metal, a quei tempi, sapevo poco, a parte i Pink Floyd: di David Gilmour adoravo, e adoro ancora, lo stile, il gusto, il sound.
Così decisi di imparare a suonare anche la chitarra classica, entrando in Conservatorio e affiancando anche un corso di composizione. Terminata l’esperienza con i Fancyfluid, ho esplorato il mondo della new age, affascinato da chitarristi come William Ackerman, Alex de Grassi e Michael Hedges. Da questa esperienza è nato Travels, un disco autoprodotto. Poi è arrivato il jazz, e con lui il blues: prima nella sua forma tradizionale, poi in quella più articolata del blues bebop.
Infatti, il decennio successivo l’ho trascorso al Centro Jazz, che a Torino era l’unica scuola in cui si poteva studiare jazz a livello accademico, visto che in conservatorio non era ancora entrato. Lì ho studiato con i musicisti che insegnavano in quegli anni: Pino Russo, mio maestro e poi amico, Luigi Tessarrollo, Diego Borotti, Daniele Tione. Un susseguirsi di jam session e concerti nei club, il Festival Jazz di Grenoble in una formazione italo-francese guidata da Enrico Rava e François Jeanneau, il JVC Newport Jazz Festival di Torino con la Free Style Orchestra, big band fondata e guidata da Diego Borotti e Pierluigi Mucciolo.
Al jazz rock e alla fusion ci sono arrivato più tardi, e lì dentro è confluito tutto il resto: il metal delle prime band, il progressive dei Fancyfluid, la chitarra classica, la new age. Territori che ormai non hanno confini netti, si incontrano e si fondono, sia nella musica che suono con il JST Quartet diretto da Diego Borotti, sia nelle mie composizioni.
Esercitarsi non è suonare
Ma prima di arrivare al jazz rock sono entrato in crisi. È successo dopo diversi anni, con il Conservatorio alle spalle e anni di palco, proprio quando avevo raggiunto un livello che credevo buono.
Mancava qualcosa di più sottile del materiale musicale o della tecnica sullo strumento. Avevo la sensazione di essere un buon esecutore a cui mancava personalità nel linguaggio, nell’espressività.
Poche settimane prima che il COVID si abbattesse su tutti noi, una sera, a casa di Pino Russo, stavamo ascoltando musica che avevo composto. A un certo punto gli ho detto: “Pino, di come suono non sono contento.”
Non ho mai potuto conoscere a fondo il suo pensiero su quella mia affermazione: poco tempo dopo, Pino è mancato prematuramente, all’improvviso.
La risposta ho dovuto trovarla da solo, nel corso del tempo. Ed è più semplice di quanto si possa immaginare: esercitarsi e studiare non è suonare.
Puoi fare scale per ore, sapere a memoria tutte le progressioni, essere tecnicamente ineccepibile. Puoi conoscere e suonare alla perfezione centinaia di frasi e lick già pronti, senza averli mai metabolizzati e resi tuoi. Diventi un ottimo esecutore, ma fatichi a comunicare qualcosa con la tua musica.
Quello che mi ha sbloccato è arrivato durante il lockdown, e non era uno studio organizzato: mesi passati ad ascoltare musicisti che non conoscevo, senza uno scopo preciso. Jack Gardiner, Tom Quayle, Allan Holdsworth, e un lavoro mirato su John Scofield, Mike Stern e Pat Metheny. Mi hanno portato a rimettere mano a cose che sapevo già, guardandole da un’altra prospettiva.
Da lì sono arrivato al jazz rock e alla fusion. Il suono elettrico, il fraseggio, il modo di improvvisare su un riff: lì il rock e il blues da cui venivo sono di casa. Basta ascoltare come Scott Henderson porta il blues dentro la fusion.
E quel modo di suonare ora mi appartiene. Quando preparo un assolo su uno standard con il JST Quartet, difficilmente esce vocabolario jazz tradizionale: escono cose mie, che in quel contesto ci stanno bene.
Perché esiste MG Guitar Music
MG Guitar Music è il posto dove condivido quello che ho imparato, per chi si trova oggi dove mi trovavo io allora: anni di studio alle spalle, una tecnica funzionale, e la sensazione di non avere ancora un linguaggio personale.
L’ho capito sperimentando su di me: il linguaggio si costruisce lavorando su quello che sai già suonare. Il rock, il blues, qualunque cosa tu abbia suonato finora: è quello il materiale con cui si entra nel jazz rock.
Suonare la chitarra: le lezioni più seguite
Studi tanto. Ma dov'è la tua musica?
Qui smonto gli errori strutturali dello studio musicale e vado in profondità su armonia, creatività e costruzione di un linguaggio personale. Per chi si trova in un punto morto.
